JH – La dualité entre le brut et le soigné est présente dans la majorité de mes axes de recherches et dans toutes les pistes sculpturales. Je constate qu’il y a un malentendu sur mon travail et qu’on m’enferme dans une production très fine et technique – bien qu’elle existe dans certaines pistes de travail comme celle sur l’espace entre les couleurs où le traitement de surface est assez minutieux – alors que j’ai des recherches très différentes. Il est plutôt question d’une corrélation entre l’outil, une forme qui sort de la terre et une gestuelle telle une chorégraphie qui consiste à déplacer les éléments, à les découper ; c’est à la fois soigné dans la méthode et inattendu avec des moments de sérendipité qui arrivent soit au tout début d’une recherche ou au dernier moment et qui donnent des créations plus brutes, moins intellectualisées.
Les potiers et les céramistes me classent du côté du champ des arts plastiques, les personnes de l’art contemporain me positionnent du côté du craft, alors que je veux être dans la transversalité et bousculer ces barrières.

JH – Le déchet est le point de départ du projet Left-over dont les sculptures sont réalisées à partir de résidus de constructions de mes propres productions, de coffrages. J’avais réalisé une série de sculptures Expansion qui comportaient des étapes de moulages en plâtre dont les formes étaient vraiment surprenantes et intéressantes à regarder. J’ai récupéré ces déchets et cela a été une respiration car mon travail devenait trop lissé et répétitif. A la fois je suis très attachée à l’artisanat et à la poterie traditionnelle mais j’ai aussi une pratique transversale ; j’aime inventer des systèmes comme une mini-chaîne de production éphémère qui me permet de gagner en liberté formelle. Je ne souhaite pas m’enfermer dans des problématiques essentiellement techniques et la technicité dans la céramique peut devenir un véritable gouffre. J’ai envie que ça me fasse voyager, de sortir de mon atelier, de rencontrer d’autres personnes.
Quand je mets en œuvre des recherches formelles, je passe par des maquettes, des dessins ; et je vais plutôt sélectionner les éléments qui me surprennent moi-même et ne pas être là où l’on m’attend. Je ne souhaite pas être enfermée dans une production mais plutôt apprendre constamment, inventer de nouveaux principes éphémères et processus créatifs (ill. 3).

JH – Quand j’ai réalisé des recherches sculpturales, j’ai vécu deux années d’explorations techniques où j’étais constamment en conversation avec de nombreux céramistes mais j’ai eu 80% de perte due à cette technique de la terre colorée dans la masse et d’un modelage de la couleur sur les formes. Aujourd’hui j’ai toujours 50% de perte… Pour faire ces formes, j’avais acheté, sur les conseils d’une potière, une machine à churros avec des emporte-pièces. J’ai commencé à faire des petites formes et j’ai découvert un artiste céramiste, Anton Alvarez, qui fait un travail d’extrusion génial. J’ai aussi suivi au 8Fablab de Crest une formation pour prendre en main leur imprimante 3D céramique qui m’a permis de réaliser deux œuvres imprimées en terre et d’échanger avec l’équipe sur les différentes possibilités. C’est dans ce même fablab que j’ai pu imaginer des têtes d’extrusion et fabriquer des « churros » en grand, des formes géométriques que je déformais ; tous ces échantillons sont des prétextes à la couleur pour essayer des émaux, faire des tests de couleur (ill. 4).
En tant que lauréate en 2021 d’un appel à projet, j’ai été en résidence au CRAFT (Centre de Recherche des Arts du Feu et de la Terre) à Limoges pendant trois mois et pour la première fois, j’ai travaillé avec deux techniciens. Tous les deux ans, le CRAFT accueille un résident avec des compétences en céramique dans un but de mélange de savoir-faire car sa spécialisation est plutôt le moulage et la porcelaine alors que moi j’arrivais avec ma terre de Creuset, un grès chamotté qui permet de travailler en grande épaisseur. Cette disponibilité intellectuelle m’a permis d’écrire, de lire, de m’investir dans trois projets : les sculptures dodues (ou Jump), une sculpture Expansion moulée dans du plâtre, la sculpture rouge, et d’échanger avec une apprentie, Violette Vigneron, qui avait travaillé dans un studio d’extrusion à Bruxelles. Ensemble on a extrudé des mètres de formes qu’on a assemblées en deux sculptures dont l’une a abouti et a été présentée dans l’exposition (*) en 2022 à la Halle de Dieulefit. Avec Violette, on a aussi expérimenté les effets de la couleur pulvérisée qui se transforment à la lumière et qui m’amènent progressivement à Luminance (ill. 5).

JH – Originaire de Lorient, j’ai toujours envie d’y faire des projets artistiques. Avec l’immersion de Left-Over dans l’océan, je voulais exagérer la métaphore temporelle et profiter de l’expérience où l’on sort des mètres de formes, où l’on coupe des tranches pour ramener ce sujet du temps et de la lumière et d’imaginer une forme qui représenterait notre conception du temps : le dessin et l’enseignement du temps, le concept de tranches de temps… L’immersion de Left-Over permet de remettre la question du temps en images grâce à la création d’une vidéo, de voir le rôle de la marée sur la sculpture et sa trace dans le sable jusqu’à l’eau. Ce sont des moments qui ouvrent vers d’autres pistes. Ces projets sont là-aussi pour rebondir sur une phrase que j’avais écrite : « ces formes sont bien posées là mais d’où viennent-elles vraiment ? »

JH – J’ai beaucoup aimé ce principe de l’image en mouvement. Avec Guillaume Seyller, on a réalisé cette vidéo d’après le principe de la photogrammétrie qui consiste à prendre 200 photographies d’un même espace puis à le reconstituer en 3D. Et la forme sculpturale a aussi été reconstituée et agrandie comme si elle mesurait 6 m. alors qu’elle fait 10 cm. Ce principe nous a permis de jouer sur la matière de la sculpture : tout d’un coup la porcelaine devient une matière molle et en mouvement. Cette démarche nous permet aussi d’ajouter la dimension sonore, une respiration très légère. C’est une nouvelle expérience qui m’inspire pour la suite, j’aimerais beaucoup poursuivre par une œuvre d’images en mouvement à partir d’écrans led, par exemple en résidence.

JH – J’apprends à travailler avec d’autres personnes mais je n’ai pas encore expérimenté de vraies collaborations artistiques pour porter ensemble un projet avec plusieurs têtes pensantes égales. La place des lectures est importante, mais l’écoute radiophonique d’émissions scientifiques m’inspire beaucoup : j’apprécie de découvrir des méthodes scientifiques qui peuvent être appliquées à des méthodes artistiques. J’écoute aussi beaucoup d’émissions musicales, notamment des musiciens et des chefs d’orchestre qui parlent de leur travail. Il y a beaucoup de ponts à faire avec notre quotidien.

JH – A l’origine du projet, il y a une première bourse de recherche en 2021 du Centre National d’Arts Plastiques (CNAP) qui m’a permis de réaliser une première maquette au CRAFT à Limoges. Après cette première résidence, je suis retournée au CRAFT pour créer une autre maquette de 3 m. sur 1 m. C’était une expérience très compliquée sur le plan technique et peu satisfaisante sur le plan sculptural.
Pendant deux ans, j’ai effectué des recherches informelles et cherché des financements pour produire une forme plus satisfaisante. La proposition d’exposition à la Bourse du travail du Lux et de la Ville de Valence est venue à propos et me permet de réaliser Luminance. Avec leur aide financière et une bourse de la DRAC, je peux rémunérer l’architecte Flora Marchand qui m’accompagne dans la conception (réflexion, maquette, plan de la structure) et une assistante pour le façonnage, payer la structure de séchage et la structure métallique qui va soutenir les formes (ill. 6, 7, 8, 9, 10, 11).

JH – La terre de Creuset utilisée pour cette sculpture est légèrement chaude, chamottée, granuleuse comme de la pierre beige clair. Sa coloration vient uniquement de la lumière qui passera à travers les formes ajourées. Une conduite de la lumière a été réalisée en 2022 par Philippe Fortaine, régisseur lumière, au cours de ma résidence à Moly-Sabata (*). C’était ma première expérience de la lumière qui sera réutilisée à Valence. Mon intention était de répondre à la question : quelle quantité de lumière pendant combien de temps ? On a ainsi défini la temporalité de 449 secondes, soit 8 mn. correspondant au temps que met la lumière du soleil pour arriver jusqu’à nous. Pendant cette temporalité qui tourne en boucle, les séances se suivent en passant par différentes couleurs, le vert, le bleu, le rouge et entre chaque couleur le blanc. L’intention est de révéler la matière selon l’angle de la lumière, son intensité… J’ai fait une courte formation de régie lumière pour pouvoir partager le vocabulaire du régisseur, découvrir le matériel et continuer à travailler avec la lumière.

JH – L’expérience dans l’espace noir de L’Usine reposait sur tout un protocole qu’il n’y aura pas dans l’espace de la Bourse du travail. On sera dans une semi-obscurité et l’aspect de flottaison sera moins présent. J’ai réalisé une maquette simple de la Bourse et je suis en train de rechercher l’implantation de Luminance dans ce grand espace afin de créer un rythme, un mouvement par la lumière, d’animer la forme en l’étirant dans l’espace, et de rendre visible le temps.
Dans une petite salle de la Bourse du travail, sera présentée la vidéo Jaunt, réalisée avec Guillaume Seyller aux Vitrouillères à Dieulefit et dans les Carrières d’Eyzahut.